艺术家可不可以打破固有的程式？艺术创作可不可以更关注内在，而不是一味注重门类和形式？

艺术之所以有史，就是因为好多杰出的艺术家并没有屈从当时的风潮。他们要么突破审美的藩篱，创造经典于时代的高峰；要么就是另辟蹊径，开自己一片广阔天地。艺术史本身就是思想史的一种，关键的是艺术家及他们的才情，艺术作品只是一个记录和呈现的载体，而不代表艺术家的全部。因为艺术家都是立体的人。所以，对于上面的两个问题的回答。艺术的程式当然而且必须打破！艺术本身就是在变的。真正不朽的，是艺术作品里的精神，或者观念。只要能为精神和观念服务，任何的表现形式对于艺术家来说，自然都是可以的。

因此，当我看到在公众眼里作为知名书法家、水墨画家的清州先生的油画作品时，我并没有感到奇怪，反而异常欣喜。有太多的艺术家，奉程式化的构图和色彩为“祖宗家法”，不敢轻举妄动；也有太多的艺术家，以一切西方新鲜的理念和形式为圭臬，肆意张扬，数典忘祖。这两类艺术家都忘记了一个“本我”。这也恰恰是王清州二十余年来审慎而不敢丢弃的。

清州以数十年之功苦练书法、饱读诗书，钻研线的艺术，参悟中国文化精神。后又常年徜徉在色彩写意之中，破传统窠臼，在点、线、面，形神和象外孜孜以求。而在近年，王清州于书法和水墨创作之外，拿起油画笔，用油画颜料在亚麻布上创作他的山水草木，花鸟虫鱼，美人夫子，仅半年就已有大小数十幅精品，构图奇巧，用色大胆，笔触酣畅，真是一派气韵，生动磅礴。

我们在清州油画中感受到的这个气势，同样能在他的书法和色彩写意作品当中体会到。根本地说，那些宣纸上、油画布上的群山那些流水，那些字里行间，那些色彩和空白处渗透的气势，都是王清州心中天地的外化，都是他才思和情感的传达。艺术本身就是融会贯通的，现在却越来越讲求专业化，职业化，其实艺术家最应该是一个“杂家”，古人对君子琴棋书画印皆擅的要求正是这个道理。清州是有这个自觉的。

“青年时的赵无极就知道，从十六世纪起，中国画就失去了创造力，画家只会抄袭中国古代的伟大传统。中国艺术变成技巧的堆砌，美和技巧被混为一谈，章法和用笔都有了模式，再没有想象和意外发明的余地”

“苏联的那一套社会主义写实方法害我们不浅，用硬、软笔把图构的死死的，上点墨或彩，一程到底，千人一面，观一幅貌似看万幅，特别是人物画，既无新意又无传统，可谓遗毒百年。”

“我的作品也许让人觉得既饱满又简约，但自然界是复杂的，有直白和看不见的隐藏，可视的现实也许单薄了许多。特别是如何简，也是经常捶炼。画面经常和现实坐着矛盾的两端，恰为风险的开始，往往是心灵和自我历史的情感表达，偶又基于精神及之外。”

这是他存于微信和微博的创作随笔。因为早有这样的警醒，清州才会敢于突破传统和自己，推翻既有的边界和陈规，进行自我的探索和创新。艺术史本身就是在继承和变革当中发展的。没有破与立，就没有艺术家，只有匠人。同时，如果艺术家没有良知没有悲悯，没有对人和社会和万物生灵饱含情感、批判和敬畏。那么，他也不可能创作出闪耀智慧和人性光芒，打动无数人的艺术作品。

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